레오나르도 다빈치의 가장 유명한 그림 : 사진 목록 * 세계에서 가장

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레오나르도 다빈치의 그림은 아름답고 신비로 가득합니다. 주인은 몇 년 동안 각 작품을 작업했기 때문에 상상할 수없는 완성도를 얻었습니다.

우리의 평가는 모두를 나열합니다 레오나르도 다빈치의 가장 큰 그림, 사진, 이름 및 각각에 대한 자세한 정보가 포함되어 있습니다. 이 목록에는 발명가, 풍자 만화 및 그림이 포함되어 있지 않습니다. 미술사 학자들이 레오나르도의 붓에 속하는 것으로 의심합니다. 또한 현재까지 살아남지 못한 그림의 사본은 선택에 포함되지 않습니다.

18. 비트 남자

작년 : 1490.
어디에: 아카데미 갤러리, 베니스.
기재: 종이, 깃털, 잉크, 수채화.
치수: 34.3 x 24.5 cm

이것이 그림이 아니라 그림이라고 말하면, 당신은 절대적으로 옳을 것입니다. 사실, 비트 루비 우스 사람은 레오나르도가 고대 로마의 건축가 마크 비트 루비 우스의 책을 위해 만든 그림, 삽화이며 그의 일기 중 하나에 배치되었습니다.

그러나이 그림은 목록에 나열된 그림보다 유명합니다. 그것은 예술 작품 일뿐만 아니라 과학적 작품으로 간주됩니다. 인체의 이상적인 비율을 보여줍니다.

수학과 기하학, 특히 Vitruvius의 연구를 공부 한 후 레오나르도의 지식에 대한 갈증은 절정에 이르렀습니다. Vitruvian Man에서 그는 보편적 대칭, 황금비 또는 "신성 비율"이라는 아이디어를 크기와 모양뿐만 아니라 무게에도 적용했습니다.

6 개의 손바닥 = 1 개의 팔꿈치;
가장 긴 끝에서 가장 낮은 밑면까지의 길이는 4 개의 손가락 = 1 손바닥;
4 개의 손바닥 = 1 피트;
팔 스팬 = 높이;
4 개의 손바닥 = 1 단계;
팔꿈치 4 개 또는 손바닥 24 개 = 사람의 키입니다.

황금 비율의 원칙을 포함하는 레오나르도 다빈치의 세계적으로 유명한 그림은 모나리자, 성모 영보 대축일, 최후의 만찬입니다.

17. 마돈나와 카네이션

작년 : 1478 — 1480.
어디에: 올드 피나 코텍, 뮌헨.
기재: 칠판에 유화.
치수: 42 x 67 cm.

많은 예술 역사가들은이 작품이 젊은 레오나르도에게 있다고 생각합니다. 그는 여전히 Verrocchio의 그림 작업장에서 도제로 일했습니다. 이 버전을 지원하는 많은 세부 사항이 있습니다. 예를 들어, 마돈나의 얼굴을 상세하게 묘사하고, 머리카락을 그립니다. 창 밖 풍경과 이탈리아 예술가의 부드럽고 확산 된 빛 특성.

불행히도, 수년은 그림을 아끼지 않았으며, 부적절한 복원으로 인해 페인트 층의 표면이 고르지 않았습니다.

16. 성모 영보 대축일

작년 : 1472 — 1476.
어디에: 우피치, 피렌체.
기재: 칠판에 유화.
치수: 98 x 217 cm입니다.

그는 성모 영보 대축일과 함께 레오나르도 다빈치의 예술가로 시작했습니다. 이 그림은 14 세에 안드레아 델 베로 키오와 공동으로 제작 한 것으로 추정됩니다. 미래의 유명한 이탈리아 마스터의 저자에 찬성하여 레오나르도의 모든 작품의 특징 인 놀라운 해부학 적 정확성과 현존하는 일기의 일련의 스케치를 말합니다. 상대방의 저작권, 마리아가 사용한 붓의 특성 및 페인트의 구성에 찬성합니다. 그들은 da Vinci에 대한 비특이적 인 납을 포함합니다.

흥미롭게도, 그림 바로 앞에 서있는 그림을 보면 해부학에 약간의 결함이 있음을 알 수 있습니다. 예를 들어, Mary의 손은 지구의 평범한 주민들보다 전형적인 것보다 조금 더 길게 보입니다. 그러나 그림의 오른쪽으로 가서 거기에서 보면 Mary의 손이 마술처럼 짧아지고 자신이 커지고 음모의 무게 중심이 음모로 지정된대로 그림으로 옮겨집니다. 아마도 체격에서 부정확하다고 주장되는 것은 신중하게 설계된 착시의 결과입니다. 사진은 보는 사람과 비스듬히 매달려 있어야합니다.

15. 그리스도의 침례

작년 : 1476
어디에: 우피치, 피렌체.
기재: 칠판에 유화.
치수: 177 x 151cm

그리고 레오나르도는이 작품을 그의 선생님과 공동 저술했습니다. 작가의 전기를 작곡 한 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)에 따르면, Verrocchio는 그림의 왼쪽 모서리에 하얀 머리 천사의 그림을 쓰도록 젊은 도제 (Leonardo가 그림을 그릴 당시 24 세)에게 지시했습니다. 교사들은 학생의 기술에 깊은 인상을 받았기 때문에 수치를 잃은 채 더 이상 회화에 참여하지 않았습니다.

14. Ginevra de Benchi의 초상

작년 : 1474 — 1478.
어디에: 워싱턴 국립 미술관.
기재: 칠판에 유화.
치수: 38.8 x 36.7 cm

그림의 뒷면에 월계관과 종려 나무의 화환은 여자가 단순하지 않다는 것을 암시합니다. 첫 번째 화환은 그녀의 시적 연구를 나타내고 두 번째 화환은 자비와 동정심에 외계인이 아니라는 것을 나타냅니다. 이 인상은 수세기 동안 생각에서 잃어버린 것처럼 모델의 창백한 설 화석 피부와 눈꺼풀의 엄격하고 다소 가혹한 아름다움에 의해 뒷받침됩니다. 보석과 완만하게 강조된 옷이 거의 없다는 것은 그녀의 지적 직업을 나타냅니다. 그리고 사실-그림은 시네 브라 데 벤치시를 묘사합니다.

이미지의 방식 (특히 손가락으로 음영 처리-Leonardo 가이 기술을 마스터하기 시작했기 때문에 페인트 레이어가 제자리에 고르지 않음)은 이미 제작자의 숙달에 대해 크게 말합니다. 빛나는 안개에 가려진 것처럼 특히 특징적인 부드러운 조명과 배경의 풍경.

13. 마돈나 베누아

작년 : 1479 — 1481.
어디에: 암자, 상트 페테르부르크.
기재: 캔버스에 유화.
치수: 48 x 31.5 cm.

"주름진 목", "팽창 된 몸통"및 "이가없는 미소"를 가진 "노인의 유령"-이 불분명 한 말은 미국 예술가 인 Benois 가족의 소유자가 의뢰 한 작가의 설명에 의해 묘사되었습니다. 그는 모든 다채로운 소명에도 불구하고 여전히 레오나르도 다빈치의 붓에 속한다고 생각합니다. 작가 스타일과 작가가 내재 한 부드러운 산란광으로 두 인물의 양을 쉽게 만들 수 있습니다.

상징적 인 세부 사항 중 하나는 십자화과 식물로, 운명이 아이를 기다리는 것을 암시합니다. 그러나 어머니 나 아기는 아직 그것에 대해 알지 못합니다. 그는 평온한 연주를하고, 미소로 그를 바라본다.

12. 동방 박사의 찬사

작년 : 1479 — 1482.
어디에: 우피치, 피렌체.
기재: 칠판에 유화.
치수: 246 x 243.

불행히도 르네상스의 위대한 예술가, 조각가, 과학자 및 엔지니어의 그림 중 하나는 아직 완성되지 않았습니다. 레오나르도는 밀라노에있는 집으로 이사했고 돌아 오지 않았습니다. 다행히 고객은 미완성 된 그림을 유지했습니다. 비표준 구성과 풍부한 상징적 의미로 유명합니다.

예를 들어, 메리는 영원의 상징 인 떡갈 나무 아래에 앉아 있고, 야자수가 멀리서 자랍니다. 예루살렘의 표징과 수평선에 이교도 사원의 폐허가 있습니다. 이교도 종교가 파괴되어 기독교가 번성했습니다.

11. 사막의 세인트 제롬

작년 : 1480 — 1490.
어디에: 바티칸 피나 코 테카.
기재: 칠판에 유화.
치수: 103 x 75 cm.

사진이 아직 완성되지 않았음에도 불구하고 동시대 사람들에게 강한 인상을 남겼습니다. 이것은 주로 레오나르도로 유명한 인체 이미지의 놀라운 해부학 적 정확성 때문입니다.

어려운 운명이 그림을 기다렸다-얼마 후 작업이 마무리되고 보드가 가장 기본 목적으로 사용되었습니다. 예술 애호가 중 한 명이 가슴에서 뚜껑 형태로 그림의 일부를 발견했다고합니다.

10. 마돈나 리타

작년 : 1478 — 1482.
어디에: 암자.
기재: 온도, 보드.
치수: 42 x 33.

위대한 이탈리아 예술가의 숙달은 무엇보다도 일종의 이야기를 말하는 세부 사항으로 나타납니다. 예를 들어, 여성의 빨간 드레스에는 수유를위한 특수 컷이 장착되어 있으며 그중 하나가 봉제되어 있습니다. 분명히, 그녀는 모유 수유를 중단 할 때가되었다고 결정했습니다. 그러나 그들 중 하나는 서둘러 돌아 서고 있습니다-실의 바늘과 매달린 끝이 보입니다.

9. 바위 속의 마돈나

작년 : 1483-1490 및 1495-1508.
어디에: 루브르 박물관과 런던 국립 미술관.
기재: 칠판에 유화.
치수: 약 199 x 122 cm

세계에는 같은 이름을 가진 레오나르도의 거의 동일한 두 작품이 있습니다. 그중 하나는 파리에 있고 다른 하나는 런던에 있습니다. 다빈치의 첫 번째 버전은 제단 날개를 위해 주문되었으며 명확하게 정의 된 음모가 있습니다. 그러나 예술가는 자신의 재능과 능력으로 인해 일부 자유에 대한 권리가 있다고 생각했습니다. 결과적으로 고객이 작업에 대한 비용을 지불하지 않은 것이 너무 많았습니다. 그러나 오랜 소송이 시작되었지만 비교적 잘 끝났습니다. 두 번째 버전은 교회에 매달리기 시작했으며 첫 번째는 프랑스 왕의 재무부에서 발견 될 때까지 약 백 년 반 동안 예술 레이더에서 사라졌습니다.

다른 레오나르도 그림들과 마찬가지로이 그림은 암호화 된 메시지로 가득합니다. 예수 옆에있는 시클라멘은 그리스도인 순교자들이 흘린 사랑, 앵초, 덕, 잔잔함, 다가오는 부활, 세인트 요한의 맥아 즙을 상징합니다. 이 그림은 유명한 다빈치 코드 (Da Vinci Code)의 저자가 자신의 건축물을 설명하기 위해 사용하려고 시도한 것이 었으며, 실제로 전통적인 음모의 중요성이 완전히 다르다고 말했습니다.

8. 음악가의 초상

작년 : 1485 — 1487.
어디에: 밀라노 암브로시 안 도서관
기재: 칠판에 유화.
치수: 43 x 31.

다빈치의 유명한 그림 중 한 남자의 초상 이미지. 처음에 미술사 학자들은이 그림이 레오나르도 다빈치의 후원자이자 친구 인 밀란 듀크 자신을 묘사한다고 믿었습니다 (공개 지위를 차지하는 사람이 일반적으로 다른 사람 일 수 있음). 그 후 그 젊은이가“천국의 노래”라는 단어로 시작하여 손에 두루마리를 쥐고 있다는 것이 밝혀 질 때까지. 따라서 사진의 이름이 "음악가의 초상화"로 바뀌 었습니다. 그리고 많은 예술 비평가들은 이것이 레오나르도 자신이라는 대담한 가정을합니다. 왜냐하면 음악도 그의 관심 분야에 들어갔 기 때문입니다.

7. 족제비를 가진 숙녀

작년 : 1488 — 1490.
어디에: 크라코프 Czartoryski 박물관.
기재: 칠판에 유화.
치수: 54.8 x 40.3 cm.

화려한 이탈리아 예술가의 저작에 대한 의문이 제기 되긴했지만 현재 미술 비평가들은 동의했다. 이것은 그림의 관점에서 가장 완벽하지는 않지만 Leonardo da Vinci의 최고의 그림 중 하나이다. 수수께끼와 암호를 좋아하는 예술가는 모델의 팔에있는 흰 동물의 이미지에서 그녀의 이름을 암호화했다고 믿어집니다. 라틴어에서는 Kunih 가족을 강풍이라고하며 소녀의 이름은 세실리아 Gallerani입니다.

백설 공주의 껍질 피부 (그리고 그가 초상화에 묘사되었을 가능성이 높습니다)는 밀라노 공작의 격리에 대한 다소 모호한 지위에 대한 대담한 도전입니다. 널리 알려진 신념에 따르면,이 동물은 뽀얀 하얀 털을 너무나 좋아서 흙으로 얼룩지게하는 것보다 죽을 가능성이 높습니다.

6. 최후의 만찬

작년 : 1495 — 1498.
어디에: 산타 마리아 델 그 라지, 밀라노 사원.
기재: 프레스코.
치수: 460 x 880cm

Leonardo da Vinci의 가장 유명한 그림 중 하나는 본질적으로 그런 것이 아닙니다. 이것은 위대한 이탈리아 과학자의 가장 크고 가장 실패한 실험입니다. 15 세기 말 밀라노 공작은 유명한 예술가에게 지금 수도원 벽에 7 억 달러 상당의 물감을 칠하라고 명령했다.

예술가는 그 이전의 많은 사람들처럼 원시 석고에 페인트를 칠 것이라고 가정했습니다. 마지막 연마 후 그러한 그림은 강력하고 내구성이 있습니다. 그러나 프레스코는 페인트를 적용하는 구체적인 방법 (즉, 흰색으로 즉시 작성해야하며 추가 수정은 불가능합니다) 외에도 일부 안료 만 적합합니다. 그런 다음 밝기가 감소하여 잘 흡수되는 표면에 의해 "먹습니다".

권위에 회의적인 레오나르도는 스스로 모든 것을 찾아 왔고이 상황을 매우 자랑스럽게 여겼기 때문에 그러한 제한은 견딜 수 없었습니다. 그는 진정한 르네상스 규모로 과거의 유산을 거부하고 석고의 구성에서 사용 된 페인트에 이르기까지 전체 프로세스를 재 처리하기로 결정했습니다. 결과는 예측 가능했다. 벽화의 페인트 층은 작업이 끝난 후 이미 20 년이 지나서 부패하기 시작했습니다. 실패한 기술 솔루션 외에도 그림은 때때로 어려움을 겪었습니다.

첫째, 수도원의 주민들은이 곳에서 문을 만들어서 그리스도의 발을 떼어 내기로 결정한 다음 그림을 갱신하려고하는 무능한 화가들은 음모를 흠없이 왜곡했습니다 (예를 들어 사도 중 한 사람의 손이 덩어리로 변했습니다). 건물은 침수되었고, 그로부터 건초가 지어졌고, 제 2 차 세계 대전에서 폭탄이 성전을 쳤다. 운 좋게도 프레스코는 그 고통을 겪지 않았습니다. 원래 그림의 20 %가 우리 시대에 거의 도달하지 않았다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

다빈치의 가장 유명한 그림이 수십 년 동안 무너져 내리는이 흥미로운 이미지라는 점이 흥미 롭습니다. 그러나 거기에는 평범한 시청자가 이용할 수있는 유일한 작품이 있습니다. 나머지는 모두이 세상의 부자들에 의해 유지되었습니다. 현상 상태는 Mona Lisa가 Napoleon의 침실에서 루브르 박물관으로 옮겨야 만 변경되었습니다.

다빈치가 제작 한 나머지 2 개의 프레스코 화에서 오늘날까지도 조각이 남아 있습니다.

5. 아름다운 페로 니에

작년 : 1493 — 1497.
어디에: 루브르 박물관, 파리.
기재: 칠판에 유화.
치수: 62 x 44 cm.

흥미로운 전설은 Leonardo da Vinci의 가장 유명한 그림 중 하나와 관련이 있습니다. 사진이 프랑스에 왔을 때, 소유자 중 한 명이“ferronier”를 썼습니다. 오랜 세월 동안이 신비한 단어 (여자의 의심 할 여지없는 아름다움)는 예술에 가까운 사람들의 상상력을 자극했습니다.

우리 시대에 살았던 화려한 "사랑의 역사가"가이 브레튼은 전체 이야기를 구성했습니다. 의심 할 여지없이, 이름없는 아름다움은 프란치스코 1 세의 여주인이었고, 그녀는 왕과 밤에받은 타박상을 숨기기 위해 보석을 착용하기 시작했습니다.

"Beautiful Ferronier"라는 이름의 Leonardo da Vinci가 그린 그림은 Lucretia Crivelli를 나타냅니다. 그녀는 밀라노 공작 인 레오나르도 후원자의 연인 중 한 명입니다. 그리고 그 이름은 그녀의 이마 장식-ferronier에서 비롯됩니다.

4. 소녀의 머리

작년 : 1500 — 1505.
어디에: 국립 갤러리, 파르마
기재: 칠판에 유화.
치수: 24.6 x 21cm

부주의 한 헤어 스타일을 가진 젊은 여성의 불완전한 이미지 (따라서 그림의 다른 이름-La Scapigliata, 너덜 너덜 한)는 다른 미완성 작품과 비슷한 방식으로 채색되었습니다. 그러나 예술 비평가들은 간신히 묘사 된 머리카락과 완벽하게 실행 된 얼굴의 대비가 예술가의 계획의 일부라고 생각합니다.

레오나르도는 아마도 르네상스 시대에 유명한 고대 작가 Pliny the Elder의 발췌에서 영감을 얻은 것 같습니다. 그는 위대한 예술가 Apelles가 의도적으로 그의 마지막 Venus Kosskaya 이미지를 미완성으로 남겨두고 다른 팬들보다 더 존경하는 사람이라고 말했다.

3. 성모 마리아와 성자 그리스도

작년 : 1501 — 1517.
어디에: 루브르 박물관, 파리.
기재: 칠판에 유화.
치수: 168 x 112 cm

이 그림의 내용은 깊이 상징적이며 Mary는 어머니 Anna의 무릎에 앉아서 아기의 그리스도 인 자궁의 세대에 손을 뻗습니다. 어린 양은 온유와 다가오는 구주의 운명을 세상의 죄를위한 희생으로 상징합니다.

동시대 인들은 장면에 참여한 세 참가자의 얼굴 표정, 특히 Anna가 자신의 딸과 손자를 바라 보는 Leonard의 상표 인 신비한 반 미소의 생동감과 자연 스러움에 깊이 감사했습니다.

2.모나리자 (Mona Lisa)

작년 : 1502 — 1516.
어디에: 루브르 박물관, 파리.
기재: 칠판에 유화.
치수: 76.8 x 53.

"Mona Lisa"를 모르는 사람을 지구상에서 찾기가 어려울 것입니다. 이것은 확실히 재능있는 이탈리아 인의 가장 유명한 작품입니다. 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci)가 그린이 그림의 많은 비밀과 비밀은 아직 해결되지 않았습니다 :

"모나리자"는 예술가의 삶에서 특히 중요했습니다. 때로는 새로운 것에 매료되어 마지 못해 중단 된 작품으로 돌아간 것은 비밀이 아닙니다. 그러나 그는 열정과 열정으로 Gioconda에서 일했습니다. 왜?

인물 사진에 누가 정확히 묘사되어 있는지 명확하지 않습니다. 상인 델 지오 콘도의 아내입니까? 아니면 "에르 미네를 가진 여인"을 제기 한 같은 여성? 작가의 도제 중 하나 인 살라이 (Salai)가 적어도 두 장 이상의 그림으로 묘사 한 모나리자의 모델 역할을 한 버전도있다.

Gioconda 드레스는 원래 어떤 색입니까? 분명히 레오나르도는 다시 페인트로 실험을하고 다시 실패하여 원래 소매 색상이 남지 않도록했습니다. 그런데 현대인들은 그림의 웅장한 색상에 감탄했습니다.

그리고 마지막으로, 신비한 반 미소-그녀는 전혀 웃고 있습니까, 아니면 입술 모서리의 그림자로 인해 예술가가 능숙하게 만든 환상입니까?

1. 침례 요한

작년 : 1508 — 1516.
어디에: 루브르 박물관, 파리.
기재: 칠판에 유화.
치수: 69 x 57 cm.

살라이를 묘사 한 것으로 알려진 작가의 마지막 사진은 작가의 견습생 중 한 명이며, 알 수없는 이유로 레오나르도의 특별한 위치를 즐겼습니다. 주인은 학생을 많이 용서했습니다. 살라이가 바커스를 위해 드리 워진 비옷을 사기 위해 돈을 도둑질하기까지-사본의 형태로만 오늘날까지 살아남은 그림. 애지중지 한 얼굴, 조심스럽게 말려 진 컬 및 특히 가장 반쯤 웃는 미소는 주인과 제자와의 관계의 본질에 대해 잘 알려진 의구심을 불러 일으켰습니다.

그러나 작가의 일기에 따르면, 어려서 소돔에 대한 비난을받은 후에는 자신의 사생활을 언급하는 것을 피했다. 그는 의지로 그의 재산과 돈을 같은 살라이의 레오나르도와 다른 조수들에게 맡겼습니다.